GRAHAM GINGLES
緻密な箱型構造作品で知られるアイルランドの彫刻家
グレアム・ギングルズ(Graham Gingles、1943年、北アイルランド・アントリム州生まれ)は、アイルランドで最も卓越し、独自性の高い彫刻家の一人であり、1970年代初頭から制作を続ける親密で謎めいた箱型構造作品によって国際的に高く評価されている。ベルファスト美術大学で絵画と銀細工を学んだ後、ホーンジー美術大学およびローマの英国スクールで研鑽を積み、1980〜81年には北アイルランド芸術評議会の奨学金を受けた。
絵画から彫刻的な箱型構造作品へ
ギングルズは画家としてキャリアを始めたが、1969年、極めて個人的なミクストメディアの手法へと転向し、精巧に作られた木とガラスの箱の中にドローイング、絵画、彫刻、写真を組み合わせた。壁掛けのこれらの作品は、記憶、喪失、そして北アイルランド紛争(Troubles)についての、しばしば陰鬱で暗示的な瞑想であり、現代アイルランド美術における演劇的かつ彫刻的な独自の声としての地位を彼にもたらした。一つの作品の完成に一年を要することもあった。
国際的な展覧会と評価
1981年、ローマから帰国後にベルファストのアーツ・カウンシル・ギャラリーで初の個展を開催して以来、ギングルズはアイルランド国内外で数多くの展覧会を開いており、ダブリンのヘンドリックス・ギャラリー、ベルファストのフェンダレスキー・ギャラリー、キルケニーのバトラー・ギャラリー、ニューファンドランドのジェームズ・ベアード・ギャラリーなどで個展を行ってきた。作品はアメリカ、ドイツ、ベルギー、英国での主要なテーマ別グループ展にも出品されており、アート・ケルンやダブリンのダグラス・ハイド・ギャラリーでの「Directions Out」展などが含まれる。1986年にロイヤル・アルスター・アカデミーのアカデミシャンに任命され、2005年には評議会メンバーとなり、1988年にはロイヤル・アルスター・アカデミー展で金賞を受賞、2010年にはロイヤル・ハイバニアン・アカデミーよりデ・ヴェレス賞を授与された。近年では、第一次世界大戦を追悼する「14-18 NOW」プログラムのために制作した委嘱作品《At Times Like These Men Were Wishing They Were All Kinds of Insects》において、彼の代名詞である箱型のフォルムをベルファストのザ・マックで部屋サイズにまで拡大した。
美術館収蔵と批評的評価
ギングルズの作品はアイルランド近代美術館(IMMA)、アルスター博物館、北アイルランド芸術評議会、アイルランド現代美術協会など主要な公共コレクションに収蔵されており、ブライアン・マカヴェラやマイク・カットーといった批評家による評論の対象ともなっている。
なぜグレアム・ギングルズを収集するのか
コレクターにとって、グレアム・ギングルズの作品を所有することは、国際的に認められた卓越した技術を持つ作家による完璧な作品を手に入れるという確信を意味する。彼の緻密で閉ざされた世界は、記憶、歴史、個人的な物語を、非凡な職人技と静かな緊張感を湛えたオブジェへと昇華させている。ギングルズの作品を所有することは、アイルランド近代美術館やアルスター博物館と並ぶ、アイルランドで最も独自性の高い芸術的実践の一片を手にすることを意味する。
販売用アート作品
展示会
物語の世界
BLACKLIGHT ART GALLERY presents 「ナラティブ・ユニバース（Narrative Universes）」。本展は、現代コミックとイラストレーションを代表するアーティストたちを集め、イメージが世界、感情、物語を構築しうる言語としての力を探求するグループ展です。
多様なスタイル、技法、感性を通して、展覧会はフィクションと親密さ、ファンタジーと日常、象徴と自伝のあいだを行き来する視覚的宇宙への旅を提案します。それぞれの作品は固有の物語への開かれた窓として機能し、ドローイングは記憶、想像、省察の領土となります。
出品アーティストは Carlos Maiques, Cento Yuste, Deih, Iris Serrano, Jazzy Dope, Laura Pérez Granel, Luis Royo, Paco Roca, Pendragon, RX, Santi Onasu, Sara Herranz で、グラフィックノベル、エディトリアルイラストレーション、アーバンアート、視覚的実験が共存する世代間の対話を形成しています。
『ナラティブ・ユニバース』は、物語を語るだけでなく、雰囲気、アイデンティティ、そして世界を見る新しい方法を生成しうるメディアとして、漫画とイラストレーションを現代美術の基礎的な分野として再評価します。
バレンシアから、BLACKLIGHT ART GALLERY は観客をこの共有された想像力の地図へと誘います。ひと筆ごとに新しい物語の可能性が開かれる場所です。
Paco Roca の作品には、記憶、時間の経過、日常の経験を非常に繊細な視覚的物語へと変容させる、深く人間的な眼差しがあります。彼の緩やかで感情的なストーリーテリングは、数十年にわたり国際的なファンタジーイラストレーションの世界を定義してきた Luis Royo の幻想的で壮大な想像力と対話します。
これらの確立されたビジョンに対して、Laura Pérez Granel のようなアーティストは、雰囲気と心理が中心となる言語を発展させ、神秘性に満ちた静寂のシーンを構築します。同様に、Sara Herranz は感情的親密さを制作の核心に据え、直接的で識別可能な線を通して人間関係、脆弱性、欲望を探求します。
本展はまた、アーバンアートや現代イラストレーションの新しい潮流と結びついた声も取り入れています。Deih はグラフィティとファンタジーの物語を結びつける不可能な解剖学と色彩の宇宙を展開し、Jazzy Dope はポップカルチャー、デザイン、現代の感性が共存する活気ある実験的言語を導入します。
Cento Yuste と Carlos Maiques の作品では、ドローイングは精密な物語構築のツールとなり、構図とジェスチャーがダイナミズムと個性にあふれたシーンを生成します。Pendragon と RX は、象徴的、ダーク、夢幻的なあいだを行き来する個人的な想像力によって、イラストレーションと現代美術の境界を押し広げます。
Iris Serrano の眼差しは、色彩感覚と構図の繊細さが瞑想的な空間を創り出す、繊細で内省的な次元を展覧会にもたらします。Santi Onasu は、視覚的合成と線の表現力を特徴とするグラフィックエネルギーを導入し、漫画の言語をデザインや実験的イラストレーションに近い領域へと導きます。
美的違いを超えて、『ナラティブ・ユニバース』に参加するすべてのアーティストは、観客の想像力を活性化しうる視覚的物語を構築するという同じ能力を共有しています。本展はそれにより、現代美術における漫画とイラストレーションの役割についての考察を提示し、その概念的、感情的、美的力を再主張します。
イメージの速度が支配する時代において、これらの作品は私たちに立ち止まり、観察し、視覚的に読むことを促します。それぞれの作品には可能な物語が込められ、すべての線が他の世界への扉を開きます。
バレンシアから、BLACKLIGHT ART GALLERY は観客をこの共有された想像力の地図へと誘います。グラフィック・ナラティブが芸術体験へと変容し、それぞれの宇宙が自身の声を見つける場所です。
1 VOICE 1.000 FORMS
「1つの声、1,000のかたち」は、現代を生きる女性アーティストたちによるグループ展です。多様な表現言語を通して、ひとつの共通領域――現代アートにおける女性の声――を立ち上げます。
本展は「1つの声、千のかたち」というシンプルで力強い発想から出発し、女性性が単一で閉じたカテゴリーではなく、経験・視点・感情が重なり合う複数的な空間であることを探ります。絵画と彫刻を通して、それぞれのアーティストが世界、身体、アイデンティティを異なる角度から解釈し、交差し対話する感性のモザイクを形づくります。
ここには複数の声が共存します。直感と身体から立ち上がる、より生々しく感情的な声。技術と記憶を通して具象の伝統を再解釈する、よりクラシカルな声。象徴、無意識、詩的なイメージへと開かれるシュルレアリスム的な声。そして自由、アイロニー、変化への欲望をもって未来へ向かう、若く新しい声です。
Ana Riaño、Dilka Bear、Harumi Shinozuka、Ines Jimm、Inma Coll、Lisa Gingles、Mandy Shadows、Nayra López Martos、Nicoletta Tomas、Nuria Torres、Silvia Bignami、Susana Ragelらが参加し、アートが自己肯定と多様性の言語となる風景を描き出します。
「1つの声、1,000のかたち」は、現代アートにおける女性性の複数性について考察し、ステレオタイプやラベルから距離を取りながら、差異の力を肯定します。テーマ展というよりも、創作する女性たちの出会いであり、素材を感情へと変換し、それぞれの固有性を通して集団的な声を拡張していく場です。
BREAKING WALLS
BREAKING WALLS は、壁を絶えず変化する空間として捉えるための招待です。壁は、緊張、欲望、そして集合的な記憶を刻む表面です。展覧会では、多様な美的・個人的視点を持つアーバンアーティストたちが集い、都市の「皮膚」と対話しながら隠された層を明らかにします。作品は、壁への直接的な介入、ストリート技法の再解釈、実験的アプローチなど、日常の静止性に疑問を投げかけ、都市環境を読む新たな方法を開きます。
展覧会は「壁＝境界であり、同時にしきい」という中心概念を軸に構成されています。アーバンアートの手にかかると、かつて分断を象徴していた壁は、創造性が硬直性を侵食し、新たな出会いを生み出す肥沃な領域へと変わります。BREAKING WALLS の作品は、緊急性や自発性から生まれる表現であっても、象徴的抵抗の行為となり、共有空間を再想像するための道具となり得ることを示します。
また BLACKLIGHT ART GALLERY は、アーバンアート分野における平等についても重要な考察を提示しています。自由で民主的な精神にもかかわらず、ストリートは歴史的に男性アーティストが中心でした。BREAKING WALLS は修正的な意図ではなく、多様な声こそが都市表現の豊かさを理解するために不可欠であるという姿勢から、男女アーティストの意識的なバランスを図っています。女性アーティストの存在は新たな物語性、感性、そして表現手法をもたらし、ジャンルの想像力を拡張し観客の体験を豊かにします。
各作品は、新たなものが現れる裂け目として機能し、ストリートという予測不能なエネルギーを糧にするアートの生命力を浮かび上がらせます。
BREAKING WALLS は、アーバンアートの変革力を称える展覧会です。多様性を祝福し、聞かれるべき声を広げ、壁がもはや障壁でなくなるとき、都市が想像力・平等・創造的自由に開かれた場所となることを示しています。
インナーストリート
芸術は私たちを特徴づける。
それは私たちの本性の本質に宿っている。
文字を書く以前から、私たちは解剖学的に正確に、身近な動物を絵画的に表現することを知っていた。
象徴を扱う能力が、今日の私たち人間を作り上げてきたのである。
芸術がその価値に見合った重要性を時として与えられないのは、確かに不思議なことだ。
絵画、版画、彫刻を通じて自己表現する必要性は、私たちの進化の本質的な一部なのである。
先史時代の洞窟住居では、異なる部族が異なる時代に同じ空間で介入し、以前の表現の意味さえ変えてきたことが観察されている。
これらの介入を現代のストリートアートと結びつけるのは難しくない。
アーティストは自己を表現するが、その媒体の所有者にはならない。
作品が完成した後、それは次の人間の創造的自由に委ねられた空間に残されるのである。
今回のグループ展 「INNER STREET」 では、ギャラリーの壁面にアーティストが介入することで、
ストリートアートの非永続的な精神を再現しようと試みた。
壁面に描かれた作品は、展覧会の終了とともに消え去る。
より優れたアートに取って代わられるのではなく、異なるアートと入れ替わるためだ。
時間は街中と同じようにギャラリーの中も流れ、決して止まることはない。
芸術は私たちに種としての連続性を与える。
それは普遍的なものであり、数千年が経過しても、私たちは絶えず進化する芸術的循環の中で生き続けている。
芸術は時により写実的で具象的であり、またある時はより象徴的であるが、常に存在している。
私たちは芸術を創造する故に人間である。
あるいは、私たちが人間である故に芸術を創造するのである。
ドリームランド（夢の国）
「ドリームランド」が呼び覚ます感覚は、まさにファンタジーが現実に存在する場所にいるという幻想です。
ここに入ると、私たちは大人になることを強いられてきた鎧を魔法の杖で打ち砕きます。そして、想像力が誰もが描く夢の頂点に輝く空間を見出した喜びが、清らかに溢れ出るのです。
それは意識的な夢――芸術の巨匠たちの豊かな精神から生まれた夢です。
ここでは、私たち全員がアリスです。消え去りたくないと願う子どもの飛び込み台から飛び立ち、驚きに満ちた旅の冒険へと落ちていきます。
私たちは周囲をじっくりと見渡し、選び、目には見えない創造者――アーティストの手を取って、自分が夢見たかったであろうその夢と色彩のうちに溶け込むのです。
なぜなら現実には、夢は選ぶものではなく、起こるものだからです。しかも、私たちが好むと好まざるとにかかわらず、完全な自由をもって。
優しく、力強く、恐ろしく、ディストピア的で、ロマンチックで、破壊的で、グラマラスで、官能的で、迷路的で、カオスな――それが、決して壊れることのない夢の世界なのです。自由で、多様で、ランダムな世界。
ドリームランドは、最高の映画のように、私たち自身の夢ではないけれども心から楽しめる夢への展望がきく部屋を選ぶという幻想を贈り物としてくれます。
ポップコーンをお忘れなく！🍿
ポップシュールレアリスムとその他
大衆は同調して動く。
流行らないものは拒絶し、その中に力強い何かがあれば、サブカルチャーが生まれる。
**ロウブロウアート（ポップ・シュルレアリスム）**は1970年代後半のカリフォルニアで生まれた。
当時、これは決して流行っているものではなかった。
侮蔑的に「ロウブロウ」と呼ばれたこれらのアーティストたちは、
自分たちの子供時代の空想を彩った大衆的なイメージにインスピレーションを得て、
それらを大胆にも「藝術」の殿堂へと押し上げたのである。
ここで言う藝術とは、唯一無二の想像上の文脈に包まれた、
精緻な技法で制作された作品として理解される。
それは鑑賞者を甘美な感覚の喜びへと没入させる力を持つ。
「大人になるためにはまず空想を捨てねばならない」と社会が勝手に決め込んでいるように見える中、
これらのアーティストたちは非常に反抗的なのである。
彼らの作品は、内なる世界へと開かれた窓だ。
大衆的な参照点が溢れる情景を構築し、
自身が関心を寄せるテーマを示し、鑑賞者に疑問を投げかけ、
そして誰も口にしたがらない感情をあえて曝け出す。
彼らは、空想が単に子供だけのものではないことを教えてくれる。
要するに、彼らは清涼な一陣の風なのである。
具象的な幻想
スペイン王立アカデミー（RAE）による「ファンタジー」の定義：
-
女性名詞。過去や遠く離れた事物をイメージによって再現し、理想を感覚的に表現し、現実を理想化する精神の能力。
同義語： 想像力、創造性、創意、構想力。 -
ファンタジーによって形成されるイメージ。複数形で多用される。
同義語： 夢想、空想、形象化。 -
想像力の高次段階。すなわち、創造・生産するものとしての想像力。
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フィクション、物語、小説、または高邁で独創的な思想。詩人、音楽家、画家たちのファンタジー。
比喩的表現の定義（RAE）：
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形容詞。他の事物の表現または形象であること。
同義語： 寓意的、象徴的、比喩的。
「比喩的ファンタジー」展において、私たちは異世界への扉のカタログを創り出した感覚を抱いています。
鑑賞者が作品の中で、私たちのDNAとアーティストのDNAが自然に融合した時に突然訪れる共生的な感覚を見出せることを願っています。
アーティストはその表現を通して、私たちを自身のファンタジーに包み込み、その瞬間、それは私たち自身のファンタジーともなるのです。
他者の感受性と私たちの感受性を調和させることは極めて繊細な営みです。
それは成立するか、しないかのどちらかなのです。
私たちに無関心でいるアートもあれば、私たちを虜にするアートもあります。
私たちは往々にして親しみのある美意識、特に私たちが育ってきた中で慣れ親しんだ視覚言語に惹かれます。
それは既に解読済みであり、私たちの内的イメージの一部となっているため、挑戦とは感じられません。
しかし時に、私たちは衝撃を与える表現形式に出会います。
最初は不快にさえ感じるかもしれませんが、何らかの理由で私たちの好奇心を維持し、観察し、その意図や理由を知りたいという欲求をかき立てます。
まさにその瞬間、アーティストは私たちのために新たな世界を開いたのかもしれません。
鑑賞者が新たな表現形式と共鳴する瞬間、その人の心は新たな言語、異なる象徴体系、色彩や形態、技法を解釈する新たな方法を受け入れ、統合し始めているのです。
この新たに獲得した知見は内に宿り、その人の視覚文化を豊かにしていきます。
異なる表現方法を理解することは、現実を認識する私たちの方法を豊かにします。
アーティストたちは、強烈に多様性に満ちた世界を理解する手助けとなる小さな作品の数々を私たちに贈ってくれるのです。
時代を超えた芸術
タイムレス・アート：増幅される現実の知覚
「タイムレス・アート」の根幹をなすのはリアリズムです。
それは、最も古典的な伝統と最も示唆に富むファンタジーの間を揺れ動く表現言語です。
本展覧会は、卓越した技術力を共有しながらも、
それぞれが独自の視点で現実と想像の境界を探求する現代アーティストたちを集結させます。
ギャラリーは静かな観照の空間へと変容し、
鑑賞者は技術的な妙技と概念的な深みを兼ね備えた作品に没入することができます。
ここでのリアリズムは、単なる世界の忠実な再現ではなく、知覚を増幅する出発点となります。
細部は強調され、感情は増幅され、現実は再解釈されるのです。
あるアーティストは、ほとんど誇張とも言える鋭敏さで現実を提示し、
普段なら見過ごされてしまうものに注目するよう私たちを誘います。
一方、幻想的または象徴的な要素を導入し、日常を非凡なものへと変容させるアーティストもいます。
「可能世界への窓」という理念の下、
それぞれの作品は個人的かつ詩的な宇宙への入口として機能します。
そこでの技術の熟練は、新たな見方や感じ方への扉を開く鍵となるのです。
「タイムレス・アート」は、具象の美しき世界に身を委ね、
展覧会場を離れた後も長く心に響き続ける情景との対話へと誘う招待状です。
ギングルズ&ギングルズ:カンヴァセーションズ (GINGLES & GINGLES: CONVERSATIONS)
言葉を必要としない対話がある。グレアムとリサ・ギングルズの間には、まさにそうした対話が存在する。イメージ、あり得ない生き物たち、仮面、記憶、そして夢に属しているかのような世界の小さな断片から成る対話である。二人の作品は、奇妙で曖昧なもの、見かけの背後に隠されたもの、そして自明さが終わるまさにその場所から始まる物語への魅了を共有している。
二つの世代、一つの奇妙なものへの魅了
グレアム・ギングルズとリサ・ギングルズは、姓と血縁以上のものを分かち合っている。奇妙さ、象徴性、そして物事の表面の下に隠されたものへの深い好奇心を、二人は共有しているのだ。父と娘は、異なる世代と異なる言語から、神秘と記憶と想像力に満ちた世界をそれぞれに築き上げてきた。
1943年生まれのアイルランドの芸術家であり、ロイヤル・アルスター・アカデミーの会員でもあるグレアム・ギングルズの作品は、絵画、ドローイング、彫刻が組み合わさり、強い物語性と象徴性を帯びたオブジェや場面を生み出す、多分野にまたがる制作実践によって特徴づけられる。彼の作品の一部は、アイルランド近代美術館(IMMA)などのコレクションに収められている。
1974年に北アイルランドで生まれ、1998年からバレンシアを拠点とするリサ・ギングルズもまた、ドローイング、コラージュ、彫刻を横断する制作実践を展開している。神話、民間伝承、旅、記憶に由来する彼女の混成的な形象、顔のない人物、夢のような風景は、人間的なものと幻想的なものが共存する領域を築き上げている。
箱の中の世界から、混成的な生き物たちへ
グレアムの世界において、物はステージセットとなり、彫刻は登場人物、象徴、謎が宿る小さな劇場となる。リサは異なる感性から、その幻想への愛着を受け継ぎ、人間と動物のあいだ、現実と想像のあいだに宙づりになった、まるで古い物語からやってきたかのような混成的な形象、仮面、存在たちへと変容させている。
二人は共に、明確な境界のない領域を築き上げる。見慣れたものが不穏に感じられ、奇妙なものが思いがけず身近に感じられる場所である。
継続する対話としての継承
《Conversations》は、まさにその出会いから生まれた。この展覧会は、父と娘のあいだに一線を引くことや、二人の作品の類似点だけを見出すことを目的とはしていない。むしろ、二つの想像力が出会うときに何が起こるのかを見つめようとするものである。二つの世代、二つの感性、そして世界を見つめる二つの方法のあいだの、視覚的な対話なのだ。
彼らの作品には、仮面、生き物、記憶、象徴、そして解釈に開かれた小さな物語が登場する。それらは、見慣れた領域に属しているようでありながら、同時にまったく見知らぬものでもあるイメージである。閉じた答えを提示するのではなく、鑑賞者にその物語を完成させるよう促す作品なのだ。
《Conversations》が語るのは、必ずしも受け継がれるものではなく、継続する対話としての継承についてである。ある世代から次の世代へと渡り、変容し、新たな存在の形を見出していくイメージについて。私たちが知らぬ間に分かち合っているもの、そして変容を経て、最終的に完全に自分自身のものとなるものについて。
結局のところ、「ギングルズ&ギングルズ:カンヴァセーションズ」とは、時を超えて続いていく、芸術的かつ家族的な対話である。イメージ、記憶、謎、そして可能な世界たちから成る対話なのだ。
おそらくそれゆえに、二人の作品は互いを見つめ合っているように見える。まるでグレアムとリサが、長年にわたり、沈黙のうちに、作品を通して語り合ってきたかのように。
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