GRAHAM GINGLES
Escultor irlandés conocido por sus intrincadas construcciones en caja
Graham Gingles (n. 1943, condado de Antrim, Irlanda del Norte) es uno de los escultores más distinguidos y singulares de Irlanda, reconocido internacionalmente por las íntimas y enigmáticas construcciones en caja que crea desde principios de los años 70. Estudió pintura y orfebrería en el Belfast College of Art, y continuó su formación en el Hornsey College of Art y en la British School at Rome, donde disfrutó de una beca del Arts Council of Northern Ireland en 1980–81.
De la pintura a las construcciones escultóricas en caja
Gingles inició su carrera como pintor, pero en 1969 se volcó hacia una práctica de técnica mixta profundamente personal, combinando dibujo, pintura, escultura y fotografía dentro de cajas de madera y cristal meticulosamente elaboradas. Estas obras murales, a menudo meditaciones sombrías y elípticas sobre la memoria, la pérdida y el conflicto de Irlanda del Norte, lo consolidaron como una voz singularmente teatral y escultórica dentro del arte irlandés contemporáneo, llegando una sola pieza a requerir hasta un año de trabajo.
Exposiciones internacionales y reconocimiento
Desde su primera exposición individual en la Arts Council Gallery de Belfast en 1981, tras su regreso de Roma, Gingles ha expuesto ampliamente por toda Irlanda y a nivel internacional, con muestras individuales en la Hendriks Gallery de Dublín, la Fenderesky Gallery de Belfast, la Butler Gallery de Kilkenny y la James Baird Gallery de Terranova, entre otras. Su obra también ha formado parte de importantes exposiciones colectivas temáticas en Estados Unidos, Alemania, Bélgica y el Reino Unido, incluyendo Art Cologne y Directions Out en la Douglas Hyde Gallery de Dublín. Fue nombrado Académico de la Royal Ulster Academy en 1986 y Miembro de su Consejo en 2005, recibió la Medalla de Oro en la exposición de la Royal Ulster Academy en 1988, y fue galardonado con el De Veres Award por la Royal Hibernian Academy en 2010. Más recientemente, su encargo "At Times Like These Men Were Wishing They Were All Kinds of Insects", creado para el programa 14-18 NOW en conmemoración de la Primera Guerra Mundial, llevó su característica forma en caja a escala monumental en The MAC de Belfast.
Colecciones museísticas y reconocimiento crítico
La obra de Gingles forma parte de importantes colecciones públicas, incluyendo el Irish Museum of Modern Art (IMMA), el Ulster Museum, el Arts Council of Northern Ireland y la Irish Contemporary Art Society, y ha sido objeto de textos críticos de figuras como Brian McAvera y Mike Catto.
Por qué coleccionar a Graham Gingles
Para el coleccionista, Graham Gingles ofrece la garantía de adquirir una obra impecable de un artista de técnica excepcional e internacionalmente reconocida. Sus intrincados mundos encerrados destilan memoria, historia y narrativa personal en objetos de extraordinaria maestría artesanal e intensidad contenida. Poseer una obra de Gingles significa conservar un fragmento de una de las prácticas artísticas más singulares de Irlanda, en la misma compañía institucional que el Irish Museum of Modern Art y el Ulster Museum.
OBRAS DE ARTE EN VENTA
EXPOSICIONES
UNIVERSOS NARRATIVOS
BLACKLIGHT ART GALLERY presenta Universos Narrativos, una exposición colectiva que reúne
a algunos de los nombres más destacados del cómic y la ilustración contemporánea para
explorar el poder de la imagen como lenguaje capaz de construir mundos, emociones y relatos.
A través de estilos, técnicas y sensibilidades muy diversas, la muestra propone un recorrido por
universos visuales que oscilan entre la ficción y la intimidad, lo fantástico y lo cotidiano, lo
simbólico y lo autobiográfico. Cada obra funciona como una ventana abierta a narrativas propias,
donde el dibujo se convierte en territorio de memoria, imaginación y reflexión.
La exposición reúne el trabajo de Carlos Maiques, Cento Yuste, Deih, Iris Serrano, Jazzy Dope,
Laura Pérez Granel, Luis Royo, Paco Roca, Pendragon, RX, Santi Onasu y Sara Herranz,
configurando un diálogo intergeneracional donde conviven la novela gráfica, la ilustración
editorial, el arte urbano y la experimentación visual.
Universos Narrativos reivindica el cómic y la ilustración como disciplinas fundamentales dentro
del arte contemporáneo: medios capaces no solo de narrar historias, sino también de generar
atmósferas, identidades y nuevas formas de mirar el mundo.
Desde Valencia, BLACKLIGHT ART GALLERY invita al espectador a adentrarse en este mapa de
imaginarios compartidos, donde cada trazo abre la posibilidad de un relato nuevo.
En la obra de Paco Roca encontramos una mirada profundamente humana, capaz de transformar
la memoria, el paso del tiempo y la experiencia cotidiana en relatos visuales de enorme
sensibilidad. Su narrativa pausada y emocional dialoga con el imaginario fantástico y épico de
Luis Royo, cuyas composiciones de gran intensidad visual han definido durante décadas el
universo de la ilustración fantástica internacional.
Frente a estas visiones consolidadas, artistas como Laura Pérez Granel desarrollan lenguajes
donde lo atmosférico y lo psicológico adquieren protagonismo, construyendo escenas silenciosas
cargadas de misterio. Del mismo modo, Sara Herranz convierte la intimidad emocional en el
centro de su práctica, explorando las relaciones humanas, la vulnerabilidad y el deseo a través de
una línea directa y reconocible.
La exposición también incorpora voces vinculadas al arte urbano y a las nuevas corrientes de la
ilustración contemporánea. Deih despliega personajes de anatomías imposibles y universos
cromáticos que conectan el graffiti con la narrativa fantástica, mientras que Jazzy Dope introduce
un lenguaje vibrante y experimental donde conviven cultura pop, diseño y sensibilidad
contemporánea.
En el trabajo de Cento Yuste y Carlos Maiques el dibujo se convierte en una herramienta de
construcción narrativa precisa, donde composición y gesto generan escenas cargadas de
dinamismo y carácter. Por su parte, Pendragon y RX expanden los límites entre ilustración y arte
contemporáneo mediante imaginarios personales que oscilan entre lo simbólico, lo oscuro y lo
onírico.
La mirada de Iris Serrano aporta una dimensión delicada e introspectiva a la muestra, donde la
sensibilidad cromática y la sutileza compositiva generan espacios de contemplación. A su vez,
Santi Onasu introduce una energía gráfica marcada por la síntesis visual y la fuerza expresiva de
la línea, acercando el lenguaje del cómic a territorios cercanos al diseño y la ilustración
experimental.
Más allá de sus diferencias estéticas, todos los artistas presentes en Universos Narrativos
comparten una misma capacidad: la de construir relatos visuales capaces de activar la
imaginación del espectador. La exposición plantea así una reflexión sobre el papel del cómic y la
ilustración dentro del arte contemporáneo, reivindicando su potencia conceptual, emocional y
estética.
En una época marcada por la velocidad de las imágenes, estas obras invitan a detenerse,
observar y leer visualmente. Cada pieza contiene una historia posible; cada trazo abre una puerta
hacia otros mundos.
Desde Valencia, BLACKLIGHT ART GALLERY invita al espectador a adentrarse en este mapa de
imaginarios compartidos, donde la narración gráfica se transforma en experiencia artística y
donde cada universo encuentra su propia voz
1 VOZ 1.000 FORMAS
“1 voz, 1.000 formas” es una exposición colectiva que reúne a un grupo de mujeres artistas contemporáneas que, desde lenguajes plásticos muy diversos, construyen un territorio común: el de la voz femenina en el arte actual.
La muestra parte de una idea sencilla pero poderosa —una voz, mil formas— para explorar cómo lo femenino no es una categoría única ni cerrada, sino un espacio plural de experiencias, miradas y emociones. A través de la pintura y la escultura, cada artista aporta una interpretación distinta del mundo, del cuerpo y de la identidad, conformando un mosaico de sensibilidades que se entrecruzan y dialogan.
En esta exposición conviven una voz más visceral y emocional, que se expresa desde la intuición y el cuerpo; una voz más clásica, que reinterpreta la tradición figurativa desde la técnica y la memoria; una voz surrealista, que abre paso a lo simbólico, lo inconsciente y lo poético; y una voz joven y emergente, que mira hacia el futuro con libertad, ironía y deseo de cambio.
Artistas como Ana Riaño, Dilka Bear, Harumi Shinozuka, Ines Jimm, Inma Coll, Lisa Gingles, Mandy Shadows, Nayra López Martos, Nicoletta Tomas, Nuria Torres, Silvia Bignami y Susana Ragel conforman este paisaje donde el arte se convierte en un lenguaje de afirmación y diversidad.
“1 voz, 1.000 formas” propone así una reflexión sobre la multiplicidad de lo femenino en el arte contemporáneo, alejándose de clichés y etiquetas, y reivindicando la potencia de la diferencia. Más que una exposición temática, es un encuentro entre mujeres que crean, que transforman la materia en emoción y que, desde su singularidad, amplifican una voz colectiva.
BREAKING WALLS
BREAKING WALLS es una invitación a contemplar el muro como un espacio en permanente transformación: superficie que registra tensiones, deseos y memorias colectivas. La muestra reúne a un conjunto diverso de artistas urbanos que, desde perspectivas estéticas y vitales distintas, dialogan con la piel de la ciudad para revelar sus capas ocultas. Sus obras —ya sean intervenciones directas en el muro, reinterpretaciones de técnicas callejeras o exploraciones experimentales— cuestionan la inmovilidad de lo cotidiano y abren nuevas formas de leer el entorno urbano.
La exposición se articula alrededor de una idea central: el muro como frontera, pero también como umbral. En manos del arte urbano, lo que antes separaba se convierte en un territorio fértil donde la creatividad erosiona la rigidez y genera nuevas formas de encuentro. Las piezas presentes en BREAKING WALLS muestran cómo el gesto artístico, incluso cuando nace de la urgencia o la espontaneidad, puede convertirse en un acto de resistencia simbólica y en una herramienta para reimaginar los espacios que compartimos.
En este recorrido, BLACKLIGHT ART GALLERY propone además una reflexión necesaria sobre la igualdad dentro del propio ámbito del arte urbano. A pesar de su espíritu libre y su vocación democrática, la calle ha sido históricamente un escenario dominado por artistas masculinos. Frente a esa tendencia, BREAKING WALLS plantea un equilibrio consciente entre creadoras y creadores, no como gesto de corrección, sino como afirmación de que la pluralidad de voces es indispensable para comprender la riqueza real del lenguaje urbano. La presencia de artistas femeninas aporta nuevas narrativas, sensibilidades y aproximaciones formales que expanden el imaginario habitual del género y enriquecen la experiencia del espectador.
Cada intervención funciona como una grieta que permite que algo nuevo emerja; un resplandor que revela la vitalidad de un arte que no teme al cambio, que nace del contacto directo con la calle y que se alimenta de su energía impredecible.
BREAKING WALLS es un homenaje al poder transformador del arte urbano. Un recorrido que celebra la diversidad, amplifica voces que merecen ser escuchadas y sugiere que, cuando las paredes ya no se imponen como barreras, la ciudad se convierte en un espacio abierto a la imaginación, la igualdad y la libertad creativa. TRANSLATE to english, french, chinese, corean and japanese, also make seo title and meta description
ARTE ATEMPORAL
Arte Atemporal: Percepción aumentada de la realidad
El hilo conductor de Arte Atemporal es el realismo, un lenguaje que oscila entre la tradición más clásica y la fantasía más sugerente.
Esta exposición reúne a artistas contemporáneos que comparten un dominio técnico excepcional, pero cuyas visiones divergen para explorar los límites de lo real y lo imaginario.
La galería se convierte en un espacio de contemplación serena, donde el espectador puede sumergirse en obras de virtuosismo técnico y profundidad conceptual.
Aquí, el realismo no es solo una representación fiel del mundo, sino un punto de partida para amplificar la percepción: los detalles se intensifican, las emociones se amplifican y la realidad se reinterpreta.
Algunos artistas presentan la realidad con una agudeza casi hiperbólica, invitándonos a observar lo que normalmente pasaría desapercibido.
Otros, en cambio, introducen elementos fantásticos o simbólicos que transforman lo cotidiano en algo extraordinario.
Bajo la idea de “ventanas a mundos posibles”, cada pieza actúa como un portal hacia universos personales y poéticos, donde la maestría técnica es la llave que abre puertas a nuevas formas de ver y sentir.
Arte Atemporal es una invitación a perdernos en la belleza de la figuración, a dialogar con escenas que resonarán en nosotros mucho después de abandonar la sala.
FANTASÍA FIGURATIVA
RAE:
-
f. Facultad que tiene el ánimo de reproducir por medio de imágenes las cosas pasadas o lejanas, de representar las ideales en forma sensible o de idealizar las reales.
Sinónimos: imaginación, creatividad, inventiva, magín. -
f. Imagen formada por la fantasía. Usado más en plural.
Sinónimos: ensueño, ensoñación, figuración. -
f. Grado superior de la imaginación; la imaginación en cuanto inventa o produce.
-
f. Ficción, cuento, novela o pensamiento elevado e ingenioso. Las fantasías de los poetas, de los músicos y de los pintores.
FIGURATIVA – DEFINICIÓN (RAE):
-
adj. Que es representación o figura de otra cosa. Sinónimos: alegórico, simbólico, figurado.
En la exposición colectiva FANTASÍA FIGURATIVA tenemos la sensación de haber creado un catálogo de portales a otros mundos.
Nuestro deseo es que el espectador consiga encontrar en las obras esa sensación simbiótica que nos aborda de golpe, cuando nuestro ADN y el del artista se combinan de forma espontánea. El artista, a través de su discurso, es capaz de envolvernos en su fantasía, que en ese momento se convierte también en la nuestra.
Maridar nuestra sensibilidad con la de otro ser humano es algo tremendamente delicado: se da o no se da. Hay arte que nos deja indiferentes y arte que nos captura.
Con frecuencia nos atrae una estética familiar, especialmente aquella con la que hemos crecido, un lenguaje visual con el que hemos convivido y que ya hemos descifrado. No nos supone un reto, ya que forma parte de nuestro imaginario.
Pero en ocasiones encontramos una forma de expresión que nos choca; a veces incluso puede disgustarnos al principio, pero por alguna razón mantiene nuestra curiosidad, nuestras ganas de observar y de ver qué quiere decir y por qué. Y justo en ese momento es posible que el artista haya abierto un mundo nuevo para nosotros.
El instante en el que el espectador comulga con una nueva forma de expresión es el instante en el que su mente ha empezado a interpretar e integrar un nuevo idioma, una simbología diferente, una nueva forma de interpretar el color, la forma o la técnica. Este nuevo conocimiento adquirido anidará en su interior, enriqueciendo su cultura visual.
Comprender diferentes modos de expresión enriquece nuestra forma de percibir la realidad. Los artistas nos obsequian con pequeñas piezas que nos ayudan a comprender un mundo intensamente diverso.
BLACKLIGHT ART GALLERY
Inner Street
El Arte nos caracteriza como especie. Está en la esencia de nuestra naturaleza.
Antes de escribir, ya sabíamos representar pictóricamente —y con precisión anatómica— los animales que nos rodeaban. La capacidad simbólica nos ha convertido en los humanos que somos hoy en día.
Es, sin duda, extraño que a veces no se otorgue al Arte la importancia que merece. La necesidad de expresarnos a través de la pintura, el grabado o la escultura forma parte intrínseca de nuestra evolución.
Se ha observado que en algunos abrigos prehistóricos diferentes tribus intervinieron en el mismo espacio a lo largo de distintos periodos, alterando incluso el significado de las representaciones anteriores. No es difícil vincular estas intervenciones con el Arte Urbano contemporáneo. El artista se expresa, pero no se convierte en dueño del soporte. Una vez terminada la obra, esta queda en un espacio expuesto a la libertad creativa del próximo humano.
En la exposición colectiva INNER STREET hemos querido recrear, a través de las intervenciones de los artistas en los muros de la galería, el espíritu no permanente del Arte Urbano. Las obras representadas en los muros dejarán de existir cuando termine la exposición. No para ser reemplazadas por un arte mejor, sino por un arte diferente. El tiempo pasa dentro de la galería igual que en la calle: nunca se detiene.
El arte nos da continuidad como especie, es una constante; pasan los milenios y seguimos viviendo en un bucle artístico en permanente evolución. A veces el arte es más realista y figurativo, otras más simbólico, pero siempre está presente.
Creamos Arte, luego somos humanos.
O somos humanos, luego creamos Arte.
País de los sueños
La sensación que Dreamland despierta es la ilusión de estar en un lugar donde fantasía realmente existe.
Al entrar, desintegramos a golpe de varita la armadura que nos ha obligado a ser mayores de la peor manera. Y brota impoluta la alegría de descubrir un espacio donde la imaginación se ha coronado en lo más alto de los sueños ajenos.
Unos sueños conscientes, que han salido de la diestra mente de los maestros artistas.
Aquí, todos somos Alicia, precipitándonos desde la punta del trampolín de un niño que nunca quiso desaparecer, a la aventura de un viaje sorpresa.
Miramos alrededor con detenimiento, elegimos y tomamos la mano invisible del creador, el Artista, para mimetizarnos cromáticamente con ese sueño que nos hubiera gustado tener.
Porque en realidad, los sueños no se eligen: ocurren. Y además con total libertad, nos gusten o no.
Tierno, poderoso, aterrador, distópico, romántico, destructivo, glamuroso, sensual, laberíntico, caótico, así es el indestructible mundo de los sueños. Libre, plural y aleatorio.
Dreamland nos regala, como en el mejor cine, la ilusión de elegir una habitación con vistas a un sueño que no es el nuestro, pero que nos encanta.
¡Traed palomitas!
SURREALISMO POP Y OTROS
La masa se mueve al unísono: cuando algo no está de moda, lo rechaza; y si ese algo tiene fuerza, emerge una subcultura.
El arte LOWBROW (SURREALISMO POP) nació en la California de finales de los años 70, y en aquel momento no era lo que se llevaba.
Aquellos artistas, despectivamente llamados lowbrow, se inspiraban en imágenes populares que habían acompañado las fantasías de su infancia y se atrevieron a subirlas al podio del arte —del Arte con mayúsculas.
Arte entendido como una obra realizada con una técnica exquisita, que, englobada en un contexto imaginario único, es capaz de sumergir al espectador en un deleite sensorial delicioso.
En una sociedad que parece haber decidido arbitrariamente que, para ser adulto, uno debe primero renunciar a la fantasía, estos artistas han sido tremendamente desobedientes.
Sus obras son una ventana abierta a su mundo íntimo. Construyen escenarios poblados de referentes populares, muestran temáticas que les preocupan, plantean dudas al espectador y osan exponer sentimientos de los que nadie quiere hablar.
Ellos nos enseñan que la fantasía no es solo cosa de niños.
En definitiva, son una bocanada de aire fresco.
GINGLES & GINGLES: CONVERSATIONS
Hay conversaciones que no necesitan palabras. Entre Graham y Lisa Gingles existe una de ellas: un diálogo hecho de imágenes, de criaturas imposibles, máscaras, recuerdos y pequeños fragmentos de mundos que parecen pertenecer a un sueño. Sus obras comparten una fascinación por lo extraño y lo ambiguo, por aquello que se esconde detrás de las apariencias y por las historias que comienzan precisamente allí donde termina lo evidente.
Dos generaciones, una misma fascinación por lo extraño
Graham Gingles y Lisa Gingles comparten algo más que un apellido y un vínculo familiar: comparten una profunda curiosidad por lo extraño, lo simbólico y aquello que se esconde bajo la superficie de las cosas. Padre e hija construyen, desde generaciones y lenguajes diferentes, universos cargados de misterio, memoria e imaginación.
La obra de Graham Gingles, artista irlandés nacido en 1943 y miembro de la Royal Ulster Academy, se caracteriza por una práctica multidisciplinar en la que pintura, dibujo y escultura se combinan para crear objetos y escenas de marcado carácter narrativo y simbólico. Parte de su obra forma parte de colecciones como la del Irish Museum of Modern Art (IMMA).
Lisa Gingles, nacida en Irlanda del Norte en 1974 y afincada en Valencia desde 1998, desarrolla igualmente una práctica que transita entre el dibujo, el collage y la escultura. Sus figuras híbridas, personajes sin rostro y paisajes oníricos beben de la mitología, el folklore, los viajes y la memoria, construyendo un territorio donde lo humano y lo fantástico conviven.
De mundos encajonados a criaturas híbridas
En el universo de Graham, los objetos se convierten en escenarios y las esculturas en pequeños teatros donde habitan personajes, símbolos y enigmas. Lisa, desde una sensibilidad diferente, recoge ese gusto por lo fantástico y lo transforma en figuras híbridas, máscaras y seres que parecen llegados de un cuento antiguo, suspendidos entre lo humano y lo animal, entre la realidad y la imaginación.
Juntos construyen un territorio sin fronteras precisas. Un lugar donde lo familiar puede volverse inquietante y lo extraño, inesperadamente cercano.
Una herencia que es una conversación continua
Conversations nace de ese encuentro. No pretende establecer una separación entre padre e hija, ni buscar únicamente las semejanzas entre sus obras, sino observar aquello que sucede cuando dos imaginarios se encuentran. Una conversación visual entre dos generaciones, dos sensibilidades y dos maneras de mirar el mundo.
En sus obras aparecen máscaras, criaturas, recuerdos, símbolos y pequeños relatos abiertos a la interpretación. Son imágenes que parecen pertenecer a un territorio conocido y, al mismo tiempo, completamente extraño. Obras que no ofrecen respuestas cerradas, sino que invitan al espectador a completar la historia.
Conversations habla de esa herencia que no es necesariamente una transmisión, sino una conversación continua. De las imágenes que pasan de una generación a otra, se transforman y encuentran nuevas formas de existir. De aquello que compartimos sin saberlo y de aquello que, al transformarse, acaba siendo completamente nuestro.
Gingles & Gingles: Conversations es, en definitiva, una conversación artística y familiar que continúa en el tiempo: una conversación hecha de imágenes, recuerdos, misterios y mundos posibles.
Quizá por eso sus obras parecen mirarse entre sí. Como si Graham y Lisa llevaran años hablando, en silencio, a través de ellas.
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